Né au début du XXe siècle, le cubisme est un mouvement artistique qui a révolutionné la peinture et la sculpture. Inspiré par Paul Cézanne, il propose une nouvelle représentation du réel, en démultipliant les points de vue sur l’objet. Des artistes comme Picasso et Braque ont marqué ce mouvement par leurs œuvres emblématiques. Dans cette exploration, nous abordons les caractéristiques du cubisme, ses principaux acteurs et son influence sur l’art moderne.

Origine du cubisme et ses inventeurs

Picasso : pionnier du cubisme

Pablo Picasso est considéré comme l’un des pionniers du cubisme. Son engagement dans ce mouvement artistique est le fruit d’une intense réflexion influencée par la peinture de Paul Cézanne et les arts africains. C’est en 1907 que Picasso, en collaboration avec Georges Braque, donne naissance au cubisme cézannien ou pré-cubisme.

• L’œuvre “Les Demoiselles d’Avignon” de Picasso (1907) marque le début de cette période.
• Picasso décompose l’image en multiples facettes (ou cubes, d’où le nom de cubisme) et détruit les formes du réel pour plonger dans des figures parfois étranges.

Le cubisme connaît son apogée lors de la période dite du cubisme analytique (1910-1912) avec des œuvres d’artistes comme Juan Gris, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay.

Par la suite, la couleur réapparaît véritablement à la période du cubisme synthétique, par le biais de l’objet, dans les papiers collés. Picasso a joué un rôle primordial dans ces différentes évolutions du cubisme.

Georges Braque : co-inventeur du cubisme

Georges Braque, né le 13 mai 1882 à Argenteuil et mort le 31 août 1963 à Paris, est une figure incontournable du cubisme. Après une première phase d’attachement à l’impressionnisme puis au fauvisme, sa rencontre avec Picasso enclenche son adhésion au cubisme. Ils travaillent alors en étroite collaboration, s’inspirant mutuellement et co-signant parfois leurs œuvres.

En véritable penseur du cubisme, Braque élabore des lois de la perspective et de la couleur. Il est aussi l’inventeur des sculptures en papier en 1912, toutes aujourd’hui disparues. De cette période ne subsiste qu’une photographie d’un contre-relief.

En 1912, il entre dans la période dite synthétique du cubisme. Craignant que la déconstruction totale du sujet n’entrave la compréhension de ses œuvres, il innove en introduisant directement des objets du réel dans ses peintures. Il fait alors usage de techniques innovantes comme le collage.

Ainsi, Georges Braque, par sa contribution majeure au cubisme, a véritablement marqué l’histoire de l’art moderne.

Influence de Cézanne sur le cubisme

Paul Cézanne, peintre post-impressionniste, est souvent cité comme le précurseur du cubisme. En effet, son approche radicale de la représentation formelle, en particulier l’idée de dépeindre les objets à partir de formes géométriques de base, a profondément influencé les pionniers du cubisme, Georges Braque et Pablo Picasso.

Cézanne cherchait à transcender l’illusionnisme traditionnel de l’art pour exprimer la structure sous-jacente des choses. Il avait l’habitude de dire : “Traitez la nature par le cylindre, la sphère et le cône”. Cette vision a été reprise et développée par les cubistes, notamment dans leur utilisation de formes géométriques pour décomposer et recomposer leurs sujets.

L’influence de Cézanne sur le cubisme n’est pas seulement visible dans les formes géométriques. Ses explorations de la couleur, par exemple l’utilisation d’ocres ponctuées de vert, ont également influencé le mouvement. De plus, l’attention que Cézanne portait à la composition spatiale a ouvert la voie à l’approche révolutionnaire du cubisme, qui rejetait la perspective linéaire traditionnelle en faveur de points de vue multiples.

En somme, l’œuvre de Cézanne a jeté les bases du cubisme en remettant en question les conventions artistiques et en proposant une nouvelle manière de voir et de représenter le monde.

Naissance et date clé du mouvement cubiste

Le mouvement cubiste naît officiellement en 1907, sous l’impulsion de Pablo Picasso et Georges Braque, inspirés par l’œuvre de Cézanne. Il se développe principalement à Paris, et se distingue par une nouvelle approche de la représentation des objets, décomposés et analysés sous différents angles.

Parmi les dates clés de ce mouvement :

• 1907 : Naissance du cubisme cézannien ou pré-cubisme avec les œuvres emblématiques “Les Demoiselles d’Avignon” de Picasso et “Maisons à l’Estaque” de Georges Braque.
• 1910 : Début du cubisme analytique, phase durant laquelle les œuvres se caractérisent par une décomposition extrême des formes.
• 1911 : Le cubisme commence à jouir d’une reconnaissance publique.
• 1912 : Apparition du cubisme synthétique et des premiers papiers collés.
• 1914 : Début de la Grande Guerre, qui entraîne un déplacement du mouvement cubiste.

Ces années définissent l’évolution du cubisme, marquées par les expérimentations et les innovations constantes de ses principaux acteurs.

Caractéristiques principales du cubisme

L’aspect analytique du cubisme

Le cubisme analytique est une phase du cubisme qui s’étend de 1908 à 1912. Cette période est marquée par une analyse rigoureuse des formes. Les objets sont décomposés en éléments géométriques simples et représentés à partir de multiples points de vue dans un seul plan d’image.

• Le sujet est ainsi présenté sous toutes ses facettes, à la fois de profil, de face, de dessus et de dessous, dans une forme de simultanéité. C’est cette caractéristique qui donne aux œuvres un aspect géométrique et fragmenté.
• La palette de couleurs est réduite, dominée par les ocres, les noirs et les gris. L’accent est plus mis sur la structure et la forme que sur la couleur.
• Parmi les œuvres représentatives de cette période, on peut citer le portrait d’Ambroise Vollard de Pablo Picasso.

D’un point de vue conceptuel, le cubisme analytique est considéré comme l’étape la plus intellectuelle et la plus intransigeante du mouvement cubiste. Le style est austère et les formes solides des peintures classiques sont abandonnées au profit d’une nouvelle approche de l’espace pictural.

Le cubisme synthétique : définition et spécificités

Le cubisme synthétique apparaît vers 1912 et marque une évolution significative par rapport à l’aspect analytique du cubisme. Cette phase se distingue par une réintroduction de la couleur et une simplification des formes.

Contrairement au cubisme analytique qui décompose les objets en éléments géométriques, le cubisme synthétique cherche à construire une image à partir de ces fragments, d’où l’appellation “synthétique”.

Les œuvres de cette période sont caractérisées par l’utilisation de matériaux et de techniques innovantes comme le collage ou le papier collé. Ces techniques permettent aux artistes d’intégrer directement des éléments du réel dans leurs créations, comme des morceaux de journal ou de papier peint, renforçant ainsi le lien entre l’art et la vie quotidienne.

Au niveau des thématiques, le cubisme synthétique s’ouvre également à des sujets plus variés, allant au-delà des natures mortes et des portraits pour englober des scènes de la vie quotidienne. La représentation des objets et des personnages devient plus symbolique, flirtant parfois avec l’abstraction.

La géométrisation des formes dans le cubisme

L’adoption de formes géométriques dans le cubisme est une caractéristique majeure du mouvement. Les artistes cubistes, en particulier Picasso et Braque, utilisent des formes géométriques pour décomposer et recomposer leurs sujets. C’est une véritable révolution dans la représentation artistique, remplaçant les formes naturelles par des formes géométriques simplifiées.

Cette géométrisation des formes est influencée par diverses sources. Cézanne, avec sa célèbre phrase “Traitez la nature par le cylindre, la sphère et le cône” a fortement influencé cette approche. Les formes géométriques sont également inspirées par les sculptures africaines que de nombreux artistes cubistes admiraient.

Le cubisme a également été influencé par les avancées scientifiques de l’époque, notamment dans le domaine de la géométrie. Les artistes cubistes ont adopté une approche quasi-scientifique dans leur représentation des formes, analysant et décomposant leurs sujets en formes géométriques. Cette approche a conduit à une fragmentation des formes et des volumes, créant une nouvelle façon de voir et de représenter le monde.

La géométrisation des formes dans le cubisme n’est pas seulement une question de style artistique, elle est aussi un moyen d’interroger la réalité. En décomposant les objets en formes géométriques, les artistes cubistes cherchent à aller au-delà des apparences pour révéler la structure sous-jacente des choses. C’est une tentative de saisir la vérité de la réalité, en s’affranchissant des contraintes de la perspective et de la représentation réaliste.

En conclusion, la géométrisation des formes dans le cubisme est une caractéristique essentielle du mouvement, qui a profondément influencé le développement de l’art moderne.

Les techniques picturales du cubisme

Le dessin dans le cubisme

Dans le cubisme, le dessin est une technique fondamentale et ses spécificités participent à la singularité du mouvement. Les artistes cubistes utilisent le dessin non pas pour imiter la réalité, mais pour analyser et retranscrire sa structure sous-jacente. Le dessin cubiste se caractérise par une forte géométrisation des formes. Les sujets sont décomposés en formes géométriques simples : cubes, sphères, cylindres.

A la manière de Cézanne, les artistes cubistes utilisent le dessin pour construire leurs sujets par des coup de pinceau fragmentés. Les contours sont souvent forts et définis, soulignant la structure géométrique des sujets. Les formes sont stylisées, simplifiées et présentées à partir de multiples points de vue à la fois.

Les artistes cubistes ont également innové en intégrant du texte dans leurs dessins, comme Picasso l’a fait pour la première fois. Cela crée une interaction entre le visuel et le verbal, ajoutant une nouvelle dimension à l’œuvre.

La peinture dans le mouvement cubiste

La peinture cubiste se caractérise par un jeu sophistiqué de formes et de volumes. Les peintres cubistes, comme Picasso ou Braque, utilisent des couleurs souvent réduites aux tons de gris, de brun et d’ocre, pour accentuer l’aspect structurel de leurs œuvres. Ils abolissent la perspective traditionnelle et représentent les objets de plusieurs points de vue à la fois, donnant l’impression de les voir sous tous leurs angles sur une même surface plane. L’objet est ainsi décomposé en facettes, comme dans les œuvres de Braque ou Picasso. Les peintres cubistes recourent également à différentes techniques comme le collage et le papier collé, qui apportent une dimension supplémentaire à leurs œuvres en intégrant des éléments réels dans la composition. Ils utilisent aussi des signes et des lettres pour enrichir leur langage pictural et créer une interaction entre le visuel et le verbal.

L’utilisation de la sculpture dans le cubisme

Dans le cubisme, l’utilisation de la sculpture est tout aussi révolutionnaire que la peinture. Bien que Picasso soit souvent cité comme le principal précurseur de la sculpture cubiste, d’autres artistes comme Henri Gaudier-Brzeska, Raymond Duchamp-Villon, Pablo Gargallo et Ossip Zadkine ont également contribué de manière significative à son développement.

La sculpture cubiste est caractérisée par une forte géométrisation des formes, une fragmentation des volumes et une représentation simultanée de plusieurs points de vue. Ce traitement sculptural des formes a permis aux artistes d’explorer de nouvelles dimensions de la réalité, en dépassant les contraintes de la perspective traditionnelle.

Contrairement aux sculptures classiques, les sculptures cubistes ne cherchent pas à imiter fidèlement la réalité, mais à en révéler la structure sous-jacente. Pour ce faire, les sculpteurs cubistes utilisent des techniques telles que le modelage, le taille directe et l’assemblage de matériaux variés, parfois même des objets du quotidien.

Cette approche novatrice de la sculpture a ouvert la voie à des tendances ultérieures dans l’art du XXe siècle, telles que le constructivisme, le futurisme et le surréalisme.

Oeuvres marquantes du cubisme

Les œuvres d’art emblématiques de Picasso

Les œuvres de Picasso ne manquent pas de diversité et de complexité, reflétant son exploration incessante de nouvelles façons de voir et de représenter le monde. Parmi ses œuvres cubistes les plus célèbres, on compte :

• Les Demoiselles d’Avignon (1907). Cette œuvre est souvent citée comme la première peinture cubiste. Elle représente cinq figures nues dans une composition audacieuse qui rompt avec la perspective traditionnelle.
• L’Homme à la guitare (1911). Dans cette œuvre, Picasso décompose le musicien et son instrument en une série de facettes géométriques, créant une impression de mouvement et de son.
• Le Rêve (1932). Bien que cette œuvre date d’une période ultérieure, elle montre comment Picasso a continué à intégrer des éléments cubistes dans son travail, avec la figure de sa maîtresse Marie-Thérèse Walter fragmentée en formes géométriques.

Ces œuvres témoignent de la capacité de Picasso à innover constamment, à repousser les limites de l’art et à influencer des générations d’artistes.

Tableaux majeurs de Georges Braque

Georges Braque, au même titre que Picasso, est un artiste dont l’œuvre est associée à des tableaux emblématiques du cubisme. Sa vision unique et sa technique artistique ont permis la création de chefs-d’œuvre reconnus dans le monde entier.

• Le Viaduc à L’Estaque (1908) : Ce tableau est l’un des premiers exemples de cubisme. Il montre l’interprétation par Braque des paysages méditerranéens, réduits à des formes géométriques simples.
• Le Grand Nu (1908) : Après la découverte des Demoiselles d’Avignon de Picasso, Braque peint cette œuvre qui devient un jalon essentiel dans l’histoire du cubisme.
• Le verre d’absinthe (1911) : Cette toile ovale témoigne de l’évolution dynamique de l’art moderne, remettant en question le rendu traditionnel de l’illusion spatiale.
• Violon et pipe (1913) : Cette œuvre marque une étape importante dans l’évolution du cubisme, avec l’intégration d’éléments de la vie quotidienne dans la composition.

Ces tableaux majeurs témoignent de la contribution significative de Georges Braque au mouvement cubiste.

Autres œuvres d’art influentes du mouvement cubiste

Outre Picasso et Braque, d’autres artistes ont marqué le mouvement cubiste par leurs œuvres influentes :

• Juan Gris, avec des tableaux comme “Le Petit Déjeuner” (1915) ou “Portrait de Pablo Picasso” (1912), a développé un style cubiste synthétique très personnel, caractérisé par des formes plus simples et une palette de couleurs plus éclatante.
• Albert Gleizes, un des fondateurs du cubisme, s’est distingué avec des œuvres comme “Le Dépiquage des Moissons” (1912).
• Fernand Léger, bien qu’il ait développé son propre style, “le tubisme”, a produit des œuvres clés du cubisme comme “Contraste de formes” (1913).
• Henri Le Fauconnier a contribué au mouvement avec des œuvres comme “L’Abondance” (1910-1911).
• Francis Picabia, connu pour son style éclectique, a également participé à l’aventure cubiste avec des œuvres comme “Danse à la source” (1912).

Ces artistes ont apporté leurs propres interprétations et innovations, enrichissant ainsi le mouvement cubiste.

L’impact du cubisme sur l’art moderne

Le cubisme a profondément transformé le paysage artistique moderne. En rejetant les conventions académiques et en innovant dans la représentation de la réalité, ce mouvement a ouvert la voie à une nouvelle conception de l’art.

L’abstraction dans l’art moderne doit beaucoup à la déconstruction des formes opérée par le cubisme. En effet, en fragmentant les objets et en les recomposant à partir de multiples points de vue, le cubisme a élargi le champ des possibilités pour les artistes modernes.

Le cubisme a également fait écho dans les mouvements d’avant-garde du XXe siècle. Le futurisme italien par exemple, a été fortement influencé par l’approche cubiste de la représentation du mouvement et de la dynamique de la vie moderne.

Les techniques et concepts développés par le cubisme ont influencé de nombreux artistes contemporains bien au-delà des frontières de la France. On retrouve ainsi des traces du cubisme dans l’art moderne et contemporain à travers le monde.

Enfin, le cubisme a aussi laissé une empreinte indélébile sur l’architecture et le design du XXe siècle. La décomposition et la recomposition des formes cubistes ont inspiré les architectes modernistes dans leur quête de nouvelles formes et structures. Les designers ont également adopté l’approche cubiste de l’abstraction et de la géométrisation des formes pour créer des objets du quotidien d’une esthétique nouvelle.

Pourquoi Picasso a-t-il utilisé le cubisme dans Guernica?

Picasso a choisi d’utiliser le cubisme dans Guernica pour plusieurs raisons. D’abord, le cubisme lui permettait de déconstruire et de recomposer la réalité, ce qui était idéal pour représenter la brutalité et le chaos du bombardement de Guernica lors de la guerre civile espagnole en 1937.

Ensuite, le cubisme offrait à Picasso une liberté créative sans précédent. Les formes géométriques et les angles de vue multiples inhérents au cubisme lui ont permis de représenter simultanément différentes facettes de la réalité et des émotions.

Enfin, Picasso a utilisé le cubisme comme un moyen d’expression politique, l’œuvre Guernica étant une dénonciation forte de la guerre et de ses horreurs. Le cubisme, par sa rupture radicale avec les conventions artistiques, était le véhicule idéal pour cette déclaration audacieuse.

Les principaux artistes associés au mouvement cubiste

Cubistes célèbres au-delà de Picasso et Braque

Au-delà de Picasso et Braque, d’autres artistes ont fortement contribué au cubisme, chacun apportant une vision unique à ce mouvement avant-gardiste.

• Marcel Duchamp, connu pour ses œuvres dadaïstes, a également été influencé par le cubisme dans ses débuts artistiques.
• Robert Delaunay et Fernand Léger, ont exposé leurs œuvres cubistes au Salon des indépendants et au Salon d’automne dès 1911, offrant ainsi de nouvelles perspectives sur le cubisme.
• Dans le domaine de la sculpture, des artistes tels que Alexandre Archipenko, Joseph Csaky et Raymond Duchamp-Villon ont joué un rôle clé dans l’évolution du cubisme, en apportant une dimension supplémentaire à ce mouvement.

Ces artistes et d’autres encore ont enrichi le cubisme, élargissant ses horizons et ouvrant la voie à de nouvelles expérimentations artistiques.

Artistes influencés par le mouvement cubiste

L’influence du cubisme s’est étendue bien au-delà de ses fondateurs, touchant une multitude d’artistes à travers le monde. Parmi eux, des figures emblématiques comme Marcel Duchamp, l’expressionniste Piet Mondrian et le fauviste Henri Matisse ont été profondément influencés par le cubisme. Le mouvement a également eu un impact significatif sur le développement de courants artistiques tels que le dadaïsme, le surréalisme et le futurisme.

En outre, des artistes tels que Alexandre Archipenko, Joseph Csaky, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Lipchitz, Henri Laurens, Pablo Gargallo et Ossip Zadkine ont contribué à développer la sculpture cubiste. D’autres artistes comme Albert Gleizes, Emil Filla, Auguste Herbin et Gino Severini ont également marqué le mouvement par leurs œuvres d’art.

Le portrait dans l’art cubiste

Comment le cubisme a réinventé le portrait

Le cubisme a fondamentalement révolutionné la manière de réaliser un portrait. Traditionnellement, un portrait cherchait à représenter une personne de la manière la plus réaliste et fidèle possible. En revanche, le cubisme a bouleversé cette notion en introduisant une déconstruction et une recomposition de la figure humaine.

Les artistes cubistes, comme Picasso ou Braque, ont commencé à représenter leurs sujets à partir de multiples points de vue simultanés. Ce traitement cubiste du portrait a permis de rendre visibles des aspects autrement cachés du sujet, et d’explorer des perceptions différentes de la réalité.

De plus, le cubisme a introduit une simplification et une géométrisation des formes. Ainsi, dans le cubisme, le visage humain est souvent déconstruit en formes géométriques simples telles que des cubes, des sphères et des cylindres.

En somme, le cubisme a réinventé le portrait en le libérant des contraintes de la représentation réaliste et en permettant une exploration plus profonde de la subjectivité et de la perception humaine.

Exemples de portraits cubistes

Parmi les portraits cubistes notables figurent ceux réalisés par Pablo Picasso et Juan Gris. Le portrait de Picasso par Juan Gris est un exemple notable du cubisme analytique, caractérisé par sa déconstruction des sujets et ses points de vue simultanés.

• “Portrait de Pablo Picasso” de Juan Gris, qui représente Picasso, un innovateur du mouvement cubiste, avec une palette de peinture à la main.
• “Portrait de Guillaume Apollinaire” de Pablo Picasso, où il est difficile de reconnaître le visage d’Apollinaire, le prince des poètes, qui fut aussi l’un des grands soutiens de Picasso.
• “Les Demoiselles d’Avignon” de Pablo Picasso, une œuvre célèbre qui a marqué la genèse du mouvement cubiste.

Ces œuvres illustrent l’approche unique du cubisme dans la représentation des visages humains, déconstruisant et recomposant les formes à partir de multiples points de vue.

Le cubisme dans l’art abstrait

Le cubisme a joué un rôle significatif dans le développement de l’art abstrait. Ce mouvement, caractérisé par la déconstruction et la recomposition de formes, a ouvert la voie à une représentation plus libre de la réalité qui a débouché sur l’abstraction.

En remettant en question les conventions de représentation, le cubisme a encouragé les artistes à explorer de nouvelles façons de percevoir et de représenter le monde, au-delà de la simple imitation du réel. En particulier, les techniques cubistes comme la géométrisation des formes et la représentation à partir de multiples points de vue ont été cruciales pour l’émergence de l’art abstrait.

En effet, ces techniques ont permis aux artistes de transcender la représentation littérale des objets pour se concentrer sur leur structure interne et leur essence, ouvrant ainsi la voie à une peinture qui se libère de toute référence au monde réel.

Il est également à noter que le cubisme a profondément influencé certains artistes majeurs de l’art abstrait, tels que Piet Mondrian. Le passage de ce dernier du cubisme à l’abstraction est un exemple éloquent de l’influence du cubisme sur l’évolution de l’art abstrait.

Au-delà de la peinture, l’influence du cubisme s’est également étendue à d’autres formes d’art abstrait, notamment la sculpture et l’architecture. En effet, les principes cubistes de décomposition et recomposition des formes ont inspiré de nombreux artistes abstraits dans leur exploration de nouvelles structures et formes géométriques.

Ainsi, le cubisme a été un catalyseur essentiel dans l’avènement de l’art abstrait, ayant profondément transformé les paradigmes de la création artistique au XXe siècle.

Le cubisme : un genre simple ou complexe ?

Simplicité et complexité dans l’approche cubiste

Le cubisme, en dépit de sa réputation de complexité, peut également être vu sous l’angle de la simplicité. En effet, en rompant avec la représentation réaliste, le cubisme a simplifié les formes en les réduisant à des géométries élémentaires. Cependant, cette simplification apparente s’accompagne d’une complexité accrue au niveau de la composition et de l’interprétation. Les formes géométriques de base, utilisées pour représenter des objets du monde réel, sont agencées de manière à offrir une vision simultanée de différents points de vue. Cette approche crée une complexité visuelle qui invite le spectateur à déchiffrer l’image, à reconstituer l’objet et à explorer de nouvelles perceptions de la réalité.

Interprétation et compréhension des œuvres cubistes

Comprendre le cubisme demande une certaine acclimatation à sa logique de déconstruction et reconstruction. L’interprétation des œuvres cubistes peut être déroutante, car elles brisent les conventions de la représentation réaliste.

• Les objets sont souvent réduits à des formes géométriques basiques, présentés sous multiples points de vue simultanés.
• Les portraits peuvent être difficiles à reconnaître, car le visage est décomposé en formes simplifiées et reconfiguré d’une manière qui peut sembler énigmatique.

Approcher le cubisme nécessite une ouverture à la perception différente de la réalité proposée par les artistes cubistes. Il ne s’agit pas de reproduire le réel, mais de le réinventer à travers une exploration des formes et de la structure interne des objets.

Ainsi, une œuvre cubiste ne se donne pas à voir d’un seul coup d’œil, elle se découvre progressivement, à mesure que le regard apprivoise sa complexité.

FAQ:

Pourquoi le mot cubisme ?

Le terme cubisme trouve son origine dans une critique d’art de 1908 par Louis Vauxcelles. Suite à une exposition de tableaux de Braque, le critique d’art utilise l’expression “bizarreries cubiques” pour décrire les formes géométriques angulaires présentes dans les œuvres. Le terme est par la suite adopté et popularisé dans le milieu artistique.

Le cubisme tire donc son nom de l’utilisation prédominante de formes géométriques, notamment le cube, dans la représentation des objets et des figures. Ce choix stylistique a radicalement transformé la manière dont les artistes concevaient et représentaient le monde.

Quels sont les trois types de cubisme ?

Le cubisme est généralement divisé en trois types ou phases :

• Le cubisme cézanien, qui tire son nom de l’influence de Paul Cézanne sur les pionniers du mouvement. Cette phase, qui s’étend de 1906 à 1909, voit les artistes commencer à décomposer les formes en géométries basiques sous l’influence de Cézanne.
• Le cubisme analytique, qui s’étend de 1909 à 1912, est marqué par une analyse plus poussée des formes et une déconstruction encore plus radicale des objets. Les œuvres de cette période sont souvent monochromes et complexes, avec de multiples points de vue représentés simultanément.
• Enfin, le cubisme synthétique, qui émerge autour de 1912, marque un retour à une représentation plus claire et plus colorée des objets. Les œuvres cubistes synthétiques intègrent souvent des éléments de collages et de papier peint, créant une nouvelle forme de réalité picturale.

Qui est l’inventeur du cubisme ?

Pablo Picasso et Georges Braque sont unanimement reconnus comme les inventeurs du cubisme. Leur collaboration étroite entre 1907 et 1914 a marqué la naissance et le développement de ce mouvement artistique révolutionnaire.

• Picasso, peintre espagnol prolifique, est souvent cité comme le co-fondateur du cubisme. Son tableau “Les Demoiselles d’Avignon” (1907) est considéré comme l’une des premières œuvres cubistes.
• Braque, peintre français, a travaillé en étroite collaboration avec Picasso. Il est notamment connu pour ses paysages cubistes tels que “Maisons à l’Estaque” (1908).

Ces deux artistes ont travaillé ensemble, s’inspirant mutuellement, dans une quête commune de dépasser les limites de la représentation traditionnelle de la réalité. Leur démarche a conduit à la création d’un nouveau langage artistique basé sur la décomposition et la recomposition des formes.