Ellsworth Kelly : une exploration de son art abstrait

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Amalle Dupuy

Fondatrice AMAL Gallery

Publié le 23 juin 2024

Ellsworth Kelly, un grand nom de l’art international, a marqué le XXe et XXIe siècles avec son approche unique de l’abstraction. Né à Newburgh, New York en 1923, il a redéfini l’art abstrait en utilisant un langage pictural de formes épurées et de couleurs. Son œuvre, qui s’étend des peintures et sculptures aux dessins, collages et photographies, est une célébration de la simplicité et de la couleur. Une exploration de son art nous invite à une rencontre avec le spectre v, la courbe jaune, la courbe verte et bien plus encore.

Biographie d’Ellsworth Kelly

Ellsworth Kelly a vu le jour le 31 mai 1923 à Newburgh, dans l’État de New York. Il a développé son propre style artistique, distinct de l’expressionnisme abstrait et du Pop Art. En 1948, le jeune Kelly choisit de traverser l’Atlantique pour s’installer à Paris, un choix audacieux à l’époque où la scène artistique new-yorkaise bouillonnait et où l’art moderne commençait à prendre un accent américain. C’est à Paris que Kelly crée l’une de ses œuvres les plus célèbres, “Window, Museum of Modern Art” en 1949. Après des années de travail en Europe, il décide de retourner à New York en 1954, malgré le peu d’intérêt suscité par ses œuvres lors de leurs présentations parisiennes.

Le style unique de l’artiste

Ellsworth Kelly a su se distinguer par son style unique, fusion du minimalisme et du Color Field painting. Ses œuvres sont caractérisées par une abstraction épurée, où les formes géométriques simples se marient avec des couleurs franches et éclatantes. Sa palette chromatique, plus claire et moins mélangée que celle de ses contemporains, lui permet de se démarquer nettement de la peinture américaine de la fin des années 1940 et du début des années 1950.

Outre ses choix de couleurs et de formes, Kelly a également révolutionné l’art par son approche du spectateur. L’artiste accorde une importance primordiale à la relation entre le public et l’œuvre, cherchant à provoquer une réaction émotionnelle chez le spectateur.

En plus de la peinture, Kelly a également exploré la sculpture, ajoutant une nouvelle dimension à son art. Toujours fidèle à son style minimaliste, ses sculptures se caractérisent par des lignes tranchantes et des couleurs épurées.

Kelly n’a jamais cessé d’observer le monde qui l’entoure, tirant son inspiration de la nature et de l’architecture. Son œuvre est donc un reflet de son environnement, transposé dans son langage artistique unique.

L’influence de la nature dans ses œuvres

Ellsworth Kelly s’inspire de la nature non seulement pour ses couleurs mais aussi pour ses formes. La nature est un réservoir sans fin de modèles de formes géométriques qui ont influencé ses œuvres. Kelly transcrivait ces éléments naturels en des formes épurées, privilégiant l’essence et la simplicité. Il a su extraire l’abstraction de la nature, qu’il s’agisse de la silhouette d’une feuille, de l’ombre d’une branche ou de la ligne d’horizon d’un paysage.

Il est aussi intéressant de noter que l’artiste n’a pas cherché à reproduire fidèlement ces formes naturelles. Au lieu de cela, il s’est concentré sur l’essence de ces formes, simplifiant et abstrayant les détails pour atteindre une expression pure et minimale. Cette approche a donné naissance à des œuvres qui, tout en étant fortement ancrées dans le monde naturel, possèdent une qualité universelle et intemporelle.

Influence des formes naturelles

Ellsworth Kelly a observé et interprété les formes naturelles, comme les feuilles, les oiseaux ou les poissons, pour en extraire l’essence et la transposer dans son art. Il a ainsi su créer une abstraction qui, tout en étant inspirée du réel, transcende la réalité pour devenir une expression pure et universelle. Sa démarche n’est pas de copier, mais de transposer et de simplifier, donnant ainsi naissance à des formes épurées et géométriques. Ainsi, la nature n’est pas simplement une source d’inspiration pour Kelly, elle est le point de départ de son processus de création. Un processus qui, en passant par le filtre de son sens artistique et de son regard unique, donne naissance à des œuvres d’une grande originalité et d’une grande force visuelle.

Influence des couleurs naturelles

Kelly puise également dans la nature pour ses choix de couleurs. Les teintes vives et audacieuses de ses œuvres reflètent souvent les couleurs qu’il observe dans son environnement naturel. L’artiste s’inspire des paysages qu’il contemple, des changements de saisons, ou encore des détails colorés de la faune et de la flore. Les couleurs de ses œuvres, bien que souvent simplifiées et réduites à leur essence, sont néanmoins évocatrices de la richesse chromatique du monde naturel. Elles sont non seulement un moyen d’expression, mais aussi un élément fondamental de la composition de ses œuvres. Ainsi, les couleurs naturelles influencent profondément son travail, permettant à Kelly de créer des œuvres vibrantes et puissantes.

La place du dessin dans son processus créatif

Ellsworth Kelly a fait du dessin une partie intégrante de son processus créatif. Il utilisait le dessin comme un outil d’exploration et de découverte, lui permettant d’étudier les formes, les lignes et l’espace. Son approche du dessin était essentielle, ferme et économe, notamment lorsqu’il dessinait des silhouettes simples de feuilles ou d’autres éléments naturels.

Son processus de dessin était une véritable traque des formes, un itinéraire suivi par l’œil le long du contour de l’objet. Il s’agissait d’une étape de simplification et d’abstraction, où le détail et la figuration étaient écartés pour laisser place à la pureté de la ligne et de la forme.

Ce travail préparatoire au dessin se retrouve dans ses peintures et ses sculptures, où la précision de la ligne et la pureté de la forme sont toujours présentes. Ainsi, le dessin chez Kelly n’était pas une simple étape préparatoire, mais bel et bien une partie intégrante de son œuvre.

Les peintures marquantes d’Ellsworth Kelly

Red Yellow Blue, une œuvre emblématique

“Red Yellow Blue” est une œuvre représentative du style caractéristique d’Ellsworth Kelly. Créée en 1963, elle se compose de trois panneaux carrés monochromatiques. Chaque panneau est peint dans une des trois couleurs primaires, ce qui donne son nom à l’œuvre.

Kelly a conçu cette œuvre pour qu’elle “dure éternellement dans le présent”. Autrement dit, elle n’est pas liée à une période ou une tendance artistique spécifique. Sa simplicité et son intemporalité sont en effet le reflet de la philosophie de l’artiste, qui privilégiait l’essence des formes et des couleurs plutôt que leur représentation littérale.

L’absence d’ombre ou de signes sur la surface des panneaux illustre également l’approche minimaliste de Kelly. Il ne cherche pas à créer des illusions d’espace ou de profondeur, mais plutôt à mettre en valeur la “présence” des panneaux eux-mêmes.

Enfin, “Red Yellow Blue” met en évidence l’importance du spectateur dans l’œuvre de Kelly. L’artiste concevait ses œuvres comme des entités interactives, engageant le public dans une expérience directe et personnelle avec la couleur et la forme.

Spectrum V, une explosion de couleurs

Spectrum V, réalisé en 1969, est une démonstration éclatante du talent d’Ellsworth Kelly pour jouer avec les couleurs. Consistant en treize panneaux distincts, l’œuvre présente une série de bandes de couleurs vives, chacune mesurant 84 x 34 pouces. Chaque panneau est peint dans une teinte différente, créant un spectre de couleurs qui attire l’œil et invite à une contemplation prolongée.

Cette pièce est un exemple remarquable de la manière dont Kelly utilise la couleur pour engager le spectateur. L’artiste offre une expérience multi-sensorielle, où les couleurs vibrantes semblent presque émettre leur propre lumière. Le choix des couleurs et leur arrangement sont conçus pour provoquer une réaction émotionnelle, transformant ainsi l’interaction avec l’art en une expérience profondément personnelle.

Le tableau est également représentatif de l’approche minimaliste de Kelly, qui privilégie la simplicité des formes et l’interaction avec le spectateur. Avec ses bandes de couleurs nettes et distinctes, Spectrum V illustre parfaitement le pouvoir de la géométrie chromatique dans l’œuvre de Kelly.

Green Curve, l’abstraction au service de la couleur

La pièce “Green Curve” est une exploration fascinante de la couleur dans l’art abstrait de Kelly. Cette œuvre, exemplaire de son intérêt pour la forme réductionniste et la couleur pure, illustre parfaitement sa démarche artistique. Kelly poursuit ici son exploration de la couleur, de la forme et de l’espace. Le vert vibrant de l’œuvre, associé à la forme courbée et abrupte, crée une expérience visuelle saisissante pour le spectateur.

Le processus créatif derrière “Green Curve” est un témoignage de la méthode de Kelly, qui se concentre sur l’interaction entre la couleur, la forme et l’espace. La courbe élégante et fluide qui se termine brusquement donne une dynamique particulière à l’œuvre, renforçant l’impact visuel de la couleur.

Cette pièce est également une démonstration du désir de Kelly de susciter une expérience directe et personnelle pour le spectateur. L’œuvre attire l’œil et invite à une contemplation prolongée, créant une interaction entre l’art et le spectateur.

En somme, “Green Curve” est une œuvre qui incarne la philosophie artistique de Kelly, mettant en avant l’importance de la couleur et de l’abstraction dans son œuvre.

Ses sculptures, un autre aspect de son art

Ellsworth Kelly, bien que principalement connu pour ses peintures, s’est également illustré dans le domaine de la sculpture. Ses sculptures, tout comme ses peintures, sont caractérisées par des formes simples et épurées, souvent dérivées de formes naturelles ou architecturales.

Ces œuvres tridimensionnelles mettent en jeu un dialogue entre l’espace et la forme, à travers des volumes purs et des couleurs vives. L’interaction entre ces éléments crée une expérience visuelle qui engage le spectateur, tout comme dans ses peintures.

Les sculptures de Kelly, bien que moins nombreuses que ses œuvres picturales, sont tout aussi importantes dans son parcours artistique. Elles montrent son envie constante d’explorer de nouvelles voies d’expression et de repousser les limites de l’art abstrait.

L’artiste à la Fondation Louis Vuitton en 2024

L’exposition de la Fondation Louis Vuitton, “Ellsworth Kelly. Formes et Couleurs, 1949-2015”, qui s’est déroulée du 4 mai au 9 septembre 2024, a marqué le centenaire de la naissance de l’artiste. Cette rétrospective inédite a été organisée en collaboration avec le Glenstone Museum et le Ellsworth Kelly Studio. Elle a proposé une immersion dans l’œuvre de Kelly, réunissant peintures, sculptures, photographies et dessins.

Cette exposition a été présentée simultanément avec une autre dédiée à “L’Atelier rouge” (1911) d’Henri Matisse, offrant ainsi une comparaison intéressante entre deux grands maîtres de l’art du XXe siècle. Le billet d’entrée donnait accès aux deux expositions, permettant au public d’apprécier la diversité et la richesse de ces deux univers artistiques.

L’exposition sur Kelly a permis de comprendre les recherches formalistes de l’artiste et de mettre en perspective ses commandes pour divers espaces architecturaux, notamment l’auditorium de la Fondation.

L’exposition à la Fondation Louis Vuitton

L’exposition à la Fondation Louis Vuitton a permis de mettre en lumière le parcours exceptionnel d’Ellsworth Kelly. S’étendant sur plus de 1500 m², elle a offert une exposition colorée et décalée, témoignant de la maîtrise exceptionnelle du geste chez l’artiste. La Fondation a ainsi rendu un vibrant hommage à cet artiste abstrait lors du centenaire de sa naissance.

La rétrospective a réuni une variété d’œuvres d’Ellsworth Kelly, allant de ses peintures aux sculptures, en passant par ses photographies et dessins. Le public a pu ainsi apprécier la diversité de son travail et son évolution artistique au fil des années.

Un point fort de l’exposition a été la mise en perspective de la commande que Kelly a réalisée pour l’auditorium de la Fondation. Ce travail spécifique a permis aux visiteurs de comprendre le lien étroit de l’artiste avec l’architecture et l’espace.

La simultanéité de l’exposition avec celle consacrée à Henri Matisse a offert une comparaison intéressante entre ces deux figures majeures de l’art du XXe siècle, enrichissant ainsi l’expérience des visiteurs.

L’importance d’Ellsworth Kelly dans l’art contemporain

Ellsworth Kelly a apporté une contribution majeure à l’art contemporain, en redéfinissant l’abstraction par son langage pictural de formes épurées et de couleurs éclatantes. Il est notamment reconnu comme précurseur du minimalisme et pionnier d’une forme nouvelle d’abstraction.

Kelly a su se démarquer de ses contemporains tels que Rothko ou Pollock, en choisissant de s’inspirer de structures concrètes comme des fenêtres pour sa peinture. Il a ainsi révolutionné l’art américain d’après-guerre, notamment par son approche inédite de la couleur et des formes, ainsi que par l’importance qu’il accordait au spectateur.

Son style, apparenté aux courants du Color Field painting et du minimalisme, continue d’influencer les artistes contemporains et de captiver les amateurs d’art du monde entier. Ses œuvres sont exposées dans de nombreux musées et galeries, témoignant de son importance dans l’histoire de l’art.

La présence de ses œuvres à Paris

La présence de l’art de Kelly à Paris ne se limite pas à ses expositions temporaires. En effet, ses œuvres ont trouvé une place permanente dans la collection du Centre Pompidou. Parmi ces œuvres, on retrouve notamment “Blue Green Yellow Orange Red”, une pièce emblématique de l’artiste, qui illustre parfaitement son approche minimaliste et chromatique. De plus, ses dessins et collages, moins connus que ses peintures et sculptures, sont également représentés dans la collection du musée.

Ellsworth Kelly au Centre Pompidou

L’exposition au Centre Pompidou

L’exposition dédiée à Ellsworth Kelly au Centre Pompidou a ouvert ses portes le 19 juin 2024. Mettant à l’honneur ce peintre américain, elle s’inscrit dans la continuité des expositions consacrées aux principaux représentants de l’abstraction contemporaine. Un focus particulier est mis sur les six “Fenêtres” réalisées en France entre 1949 et 1950, véritables jalons de l’art du XXème siècle.

En parallèle, un ensemble de peintures, dessins, esquisses et photographies d’Ellsworth Kelly sont présentés, offrant ainsi un panorama complet de sa création artistique. Cette exposition a pour ambition de faire découvrir ou redécouvrir ce grand artiste de l’art abstrait des 20e et 21e siècles.

Les œuvres présentées au Centre Pompidou

Au Centre Pompidou, plusieurs œuvres d’Ellsworth Kelly sont mises en valeur. Parmi elles, figure la série de six “Fenêtres” réalisées en France entre 1949 et 1950. Chacune de ces œuvres est une exploration unique de l’abstraction, jouant avec des formes géométriques et des couleurs vives.

Outre ces “Fenêtres”, le Centre Pompidou expose également :

  • Des peintures marquantes de l’artiste, reflétant son approche minimaliste et ses expérimentations chromatiques.
  • Des dessins et esquisses, témoignant de son processus créatif et de la genèse de ses idées.
  • Des photographies, qui ont joué un rôle crucial dans la documentation de son travail et la capture de ses inspirations.

Un autre point fort de l’exposition est l’œuvre “Window, Museum of Modern Art, Paris (1949)”. Donnée par Kelly peu de temps avant son décès, elle a trouvé une place d’honneur dans l’institution dont l’architecture lui a servi d’inspiration.

Réflexions sur le travail d’Ellsworth Kelly en photographie et en collage

Ellsworth Kelly a utilisé la photographie et le collage comme techniques complémentaires à sa peinture et sculpture. En photographie, l’artiste s’est intéressé aux formes géométriques présentes dans son environnement, capturant des détails d’architecture, des branches d’arbres ou des bords de route. Il jouait avec les tonalités, les ombres et la lumière, créant des contrastes entre le noir, le blanc et le gris.

Dans ses collages, Kelly a souvent employé des cartes postales, créant des compositions uniques. Ces œuvres, bien que moins connues que ses peintures, sont d’une importance cruciale dans sa production artistique. Elles reflètent sa capacité à transformer des éléments du quotidien en œuvres d’art abstraites, et témoignent de son intérêt pour l’observation minutieuse des détails de son environnement.

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