Définition et philosophie de l’art

Qu’est-ce que l’art?

L’art est un concept aux multiples facettes, riche et complexe. Il s’agit d’une activité humaine qui se manifeste à travers la création d’objets ou de concepts. Sa définition est vaste et dépend souvent des perspectives culturelles, historiques et philosophiques.

L’art est souvent associé à la notion de beauté, mais il ne se limite pas à cela. Il est un moyen d’expression, qui permet de communiquer des idées, des sentiments, ou de représenter des aspects du monde réel ou imaginaire.

Il existe de nombreuses formes d’art, allant des arts plastiques à la musique, en passant par la littérature, le théâtre, la danse, le cinéma, etc. Chaque forme d’art a ses propres techniques, ses propres règles et ses propres conventions.

L’art peut aussi être perçu comme une technique ou un savoir-faire, une idée qui est présente dans l’étymologie du mot “art”, qui vient du latin “ars”, traduction du grec “tekhnè”. Cette notion de technique est particulièrement importante dans certaines disciplines artistiques, comme la peinture ou la musique, où la maîtrise d’un certain nombre de compétences est essentielle.

Malgré sa diversité, l’art a un point commun : il est le fruit de la créativité humaine, de notre capacité à imaginer et à créer de nouvelles choses. C’est ce qui le distingue de la nature, qui produit sans intervention humaine.

Mais au-delà de ces définitions générales, l’art est un phénomène complexe, qui fait l’objet de nombreuses réflexions et débats philosophiques. En effet, qu’est-ce qui fait qu’une œuvre est une œuvre d’art ? Qu’est-ce que la beauté ? Quel est le rôle de l’art dans la société ? Autant de questions que nous allons explorer dans les sections suivantes.

L’art : produit de l’activité humaine

L’art, dans son sens initial, renvoie à toute forme de production humaine. Cela s’oppose aux productions naturelles, créées sans l’intervention de l’homme. Ainsi, tout ce qui n’aurait pas existé sans l’action de l’être humain est considéré comme de l’art. Cela englobe une vaste gamme de réalisations, allant des ouvrages architecture aux créations intellectuelles.

On distingue généralement deux types d’art : les arts “mécaniques” qui produisent des objets matériels et physiques, comme la peinture ou la sculpture, et les arts intellectuels. L’art est également le reflet d’un savoir-faire humain, une maîtrise technique qui va au-delà de la simple reproduction pour offrir une représentation unique et personnelle de l’artiste.

Cependant, au fil du temps, le terme “art” a évolué pour englober une dimension esthétique, se référant plus spécifiquement au domaine des beaux-arts.

La philosophie de l’art

La philosophie de l’art s’intéresse à l’art comme objet de réflexion depuis l’Antiquité. Elle s’est établie comme une discipline autonome à la fin du XVIIIe siècle. Il existe deux approches principales de la philosophie de l’art. D’une part, l’art est perçu comme une technique et un savoir-faire dédié à l’esthétique. D’autre part, l’art est vu comme une activité créatrice de l’être humain qui sublime la nature.

L’esthétique, une sous-discipline de la philosophie de l’art, cherche à définir ce qu’est une œuvre d’art et la beauté. Elle explore également les questions que l’art pose à la philosophie et les défis que l’artiste représente pour le philosophe.

Les philosophes comme Kant ont cherché une définition de l’art qui ne se limite pas à une forme de connaissance, mais qui reconnaisse sa spécificité. Il a distingué l’art de la nature, de la science et du métier.

La philosophie de l’art est aussi une réflexion sur les conditions qui nous permettent d’affirmer qu’une création est une œuvre d’art. Cette réflexion s’étend aux différentes formes d’art, aux règles qui les régissent et aux enjeux qu’elles posent dans la société.

Comment définir l’art?

La définition de l’art est une question complexe qui a fait l’objet de nombreuses réflexions philosophiques. Historiquement, l’art se définissait par opposition à la nature : il renvoyait à tout ce qui était produit par l’intervention humaine. Cette définition englobe une grande diversité de productions, qu’elles soient matérielles ou intellectuelles.

On peut cependant distinguer deux approches principales en philosophie de l’art :

• L’approche technique voit l’art comme une maîtrise d’un savoir-faire, allant de l’artisanat aux beaux-arts. Cette perspective met l’accent sur la technique et les règles que l’artiste ou l’artisan doit suivre.
• L’approche expressive considère l’art comme un moyen d’expression de l’être humain, un moyen de laisser sa marque dans le monde. Selon cette conception, une œuvre d’art n’est pas une simple imitation de la nature, mais une sublimation de celle-ci.

Ces deux approches ne sont pas mutuellement exclusives et peuvent coexister dans une même œuvre d’art.

L’art à travers les époques

L’art de l’Antiquité orientale

L’art de l’Antiquité orientale est un domaine aussi vaste que riche, couvrant de nombreuses civilisations, cultures et époques. Il comprend notamment l’art du Proche-Orient ancien, avec des cultures comme celle de la Mésopotamie, célèbre pour ses tablettes d’écriture, ou encore l’Iran ancien. Plusieurs peuples ont marqué cette période, dont les Sumeriens, les Hittites, les Babyloniens, les Araméens et l’Empire perse.

L’art de cette époque est marqué par une grande diversité, avec des œuvres allant des premières cités de l’histoire à la conception de l’écriture. Il est également caractérisé par une forte interaction entre les différentes cultures, qui se sont inspirées et influencées mutuellement. L’art oriental antique est donc une mosaïque artistique, foisonnante et variée, qui a posé les bases de nombreuses formes d’art qui ont suivi.

Pierre Amiet, dans son ouvrage “Introduction à l’Histoire de l’Art de l’Antiquité orientale”, offre une excellente introduction à cette période. Il s’agit d’une référence incontournable pour toute personne souhaitant s’initier à l’art de l’Antiquité orientale.

L’art byzantin : une introduction

L’art byzantin se caractérise par une riche complexité et une grande longévité, s’étendant du IVe au XVe siècle. Il se développe à partir de l’art romain, intégrant des influences aussi bien orientales que chrétiennes, jusqu’à former une entité artistique autonome.

• Période protobyzantine : De la fin du IVe au VIe siècle, l’art byzantin s’établit avec la fondation de Constantinople, la “Seconde Rome”. Les œuvres de cette période reflètent l’influence romaine ainsi que l’adoption de nouvelles formes et motifs chrétiens.
• Période d’or de Justinien : Au VIe siècle, l’art byzantin connaît un véritable essor sous le règne de l’empereur Justinien. Durant cette période, l’art byzantin atteint une maturité stylistique et thématique, marquée par une préférence pour l’abstraction et l’universalité.

L’art byzantin a joué un rôle majeur dans l’Europe orientale et a influencé une partie du monde slave ainsi que le futur monde russe. Les œuvres d’art byzantines sont généralement caractérisées par des représentations bidimensionnelles et un fort contenu religieux. L’art byzantin est également connu pour sa maîtrise de la mosaïque, de la peinture et de l’architecture, notamment les églises à coupole.

L’art moderne : début et influence

L’art moderne marque une rupture radicale avec les conventions artistiques traditionnelles. Provoquant une véritable révolution dans l’histoire de la peinture, il émerge à partir de l’année 1863 avec le tableau “Le Déjeuner sur l’herbe” d’Édouard Manet exposé au Salon des refusés à Paris.

L’art moderne englobe une multitude de mouvements artistiques, débutant avec l’impressionnisme, qui revendique la composition ouverte, les impressions fugitives et la mobilité des phénomènes climatiques. Il est suivi par le postimpressionnisme, le néo-impressionnisme, le fauvisme et l’Art Nouveau.

L’art moderne est également marqué par l’abstraction, qui a introduit une nouvelle manière de représenter la réalité. Ce mouvement a été fortement influencé par les changements socioculturels et technologiques du 19ème siècle, notamment la révolution industrielle.

Chaque mouvement artistique de l’art moderne a laissé une empreinte indélébile sur l’histoire de l’art, pavant la voie à l’art contemporain qui commence après la Seconde Guerre mondiale.

L’art contemporain : penseurs et conceptions

L’art contemporain, qui succède à l’art moderne, est marqué par une recherche continue d’expérimentation et de remise en question des normes et institutions artistiques. Des penseurs clés ont façonné la perception et la pratique de l’art contemporain. Parmi eux, Wassily Kandinsky, qui a exploré la spiritualité dans l’art, Maurice Merleau-Ponty, qui a examiné les rapports entre l’œil et l’esprit, et Erwin Panofsky, qui a développé le concept d’iconologie.

Il convient de noter que l’art contemporain englobe une grande variété de courants artistiques, parmi lesquels le Pop Art, le minimalisme et le néo-dadaïsme. Il est également influencé par des mouvements plus radicaux, comme celui de la mutilation des catégories de l’art qui a eu lieu entre 1958 et 1961.

L’art contemporain est également marqué par l’arrivée de nouvelles techniques de création, comme la photographie, la sérigraphie et les technologies numériques. Ces innovations ont permis aux artistes contemporains de repousser les limites de l’expression artistique et de remettre en question la notion d’œuvre d’art.

Dans cette section, nous explorerons plus en détail les penseurs et les concepts qui ont façonné l’art contemporain.

Approche méthodologique de l’histoire de l’art

Comment faire une histoire de l’art?

Pour faire une histoire de l’art, une approche méthodologique rigoureuse est nécessaire. Cela passe par la connaissance des différentes périodes artistiques, l’analyse et l’interprétation des œuvres, l’utilisation d’outils documentaires et d’observation, mais aussi la contextualisation de l’œuvre dans son environnement historique et culturel.

• Analyse d’une œuvre: Il est important de s’intéresser à l’année de création, au nom de l’artiste, au lieu de conservation ou à la première représentation de l’œuvre.
• Recherche documentaire: Utilisez les bibliothèques, les bibliographies et les technologies de l’information pour approfondir votre analyse.
• Interprétation: Quels événements de la vie privée de l’artiste ont influencé l’œuvre ? Quelle est la position de l’artiste par rapport au thème traité ?
• Contextualisation: Comment l’œuvre s’inscrit-elle dans son époque ? Quel est son impact sur l’histoire de l’art ?

Ces étapes ne sont pas linéaires et peuvent être revisitées tout au long de votre recherche.

L’art et la sociologie : l’artification

L’artification est un concept sociologique qui décrit le processus par lequel des objets, pratiques ou idées acquièrent un statut artistique. Ce phénomène est étroitement lié à la reconnaissance sociale et à la légitimation. Le terme a été forgé par la sociologue Roberta Shapiro en 2004 pour explorer les multiples aspects pratiques de ce processus.

Dans une perspective pragmatiste, l’artification est envisagée comme une réalisation sociale, dépendant des acteurs, de leurs interactions, et des contextes dans lesquels ces derniers évoluent. Ainsi, l’artification ne se limite pas à la simple création artistique, mais englobe également des éléments tels que les conditions de production, de diffusion et de réception des œuvres d’art.

Le concept d’artification a été utilisé pour analyser divers phénomènes, tels que l’émergence de nouvelles formes d’art, l’extension du champ de l’art, ou encore le rôle de l’art dans la société.

L’ethnologie et l’histoire de l’art

L’ethnologie, science qui étudie l’homme et les sociétés humaines, joue un rôle crucial dans la compréhension de l’histoire de l’art. En effet, l’art est un produit culturel, une expression de la société qui le produit. L’approche ethnologique permet d’analyser les œuvres d’art dans leur contexte culturel, social et historique.

Par ailleurs, l’ethno-esthétique, branche de l’ethnologie, permet d’étudier l’art en lien avec les cultures non-occidentales. Elle invite à une relecture transnationale de l’histoire de l’art, s’intéressant notamment aux circulations artistiques et à leurs effets.

Dans ce contexte, l’ethnographie, méthode de recherche privilégiée en ethnologie, est utilisée pour analyser le monde des professionnels de l’art, leurs modes de production, leurs processus de création, et leurs pratiques artistiques quotidiennes.

Réviser l’histoire de l’art : outils et ressources

Pour réviser efficacement l’histoire de l’art, il existe une multitude d’outils et de ressources disponibles en ligne.

Sites web et plateformes numériques proposent des contenus pédagogiques variés et de qualité :

• Le Portail Histoire des arts du Ministère de la Culture offre une grande quantité de ressources fiables et d’analyses pour découvrir et apprendre.
• Les sites pédagogiques de l’Académie de Poitiers fournissent des outils pour une approche pluridisciplinaire et transversale des œuvres d’art.
• L’INHA (Institut National d’Histoire de l’Art) propose une large palette d’outils documentaires et numériques dédiés à l’histoire de l’art, comme la base Conbavil ou le Répertoire d’art et d’archéologie (RAA).

Des guides et des bibliographies spécialisées peuvent également être utiles pour approfondir certaines périodes ou courants artistiques.

• Le guide complet pour les étudiants de StudySmarter couvre des sujets tels que l’art antique, médiéval, moderne et contemporain, la théorie de l’art, la critique d’art, l’archéologie, le patrimoine culturel, la restauration, et bien d’autres.
• Les Guides par sujet : Histoire de l’art : Outils spécialisés regroupent une sélection d’outils pertinents en histoire de l’art et humanités.

Il est aussi intéressant de consulter les fiches, résumés et dossiers complets disponibles sur de nombreux sites, pour avoir une vue d’ensemble sur les différents mouvements artistiques et artistes qui ont marqué l’histoire de l’art.

Enfin, pour ceux qui souhaitent apprendre de manière plus ludique, il existe des chaînes YouTube dédiées à l’histoire de l’art, comme “Une minute au musée” qui présente des œuvres d’art célèbres en une minute.

L’art français : une histoire particulière

Introduction à l’art français

L’art français occupe une place de choix dans le panorama artistique mondial. De la splendeur gothique des cathédrales à l’éclat révolutionnaire de l’Impressionnisme, l’art français se distingue par sa richesse et sa diversité. L’évolution de l’art français est intrinsèquement liée à l’histoire du pays, marquée par des périodes de bouleversements et de renouveau qui ont façonné son paysage artistique.

Des manuscrits enluminés du Moyen-Âge aux provocations du mouvement Dada, en passant par le raffinement de la Renaissance et le dynamisme de la Nouvelle Vague, l’art français a su se renouveler sans cesse, tout en conservant une identité forte. Il a été une source d’inspiration pour de nombreux artistes à travers le monde, contribuant à l’émergence de nouveaux mouvements et courants artistiques.

Dans cette section, nous allons explorer l’histoire et les spécificités de l’art français, pour mieux comprendre la place qu’il occupe aujourd’hui dans le monde de l’art.

Influence et spécificités de l’art français

L’art français a une influence significative sur l’art mondial, grâce à la diversité de ses mouvements artistiques et la richesse de ses œuvres. L’influence byzantine sur l’art ottonien et plus particulièrement sur la renaissance carolingienne en est un exemple. Les révolutions en France ont également influencé les artistes vers une vision utopique des Lumières, bouleversant l’art de plusieurs façons.

L’art français est aussi marqué par une spécificité : la capacité à filtrer, recevoir et tamiser les influences extérieures. C’est d’ailleurs ce qui a donné naissance à des mouvements comme l’art gothique, désigné à l’origine comme “opus francigenum” ou art français.

L’art français a aussi joué un rôle crucial dans l’expansion européenne, marquant profondément l’histoire de l’art.

Comment raconter l’histoire de l’art français?

Pour raconter l’histoire de l’art français, il est essentiel de s’appuyer sur une chronologie, qui permet de retracer l’évolution des mouvements artistiques et des œuvres emblématiques.

Cela requiert une connaissance des différentes périodes de l’histoire de l’art, depuis le Moyen-Âge jusqu’à l’art contemporain.

Il est aussi nécessaire de contextualiser les œuvres dans leur époque, d’analyser leur relation avec la société, la politique, la religion…

L’histoire de l’art français peut être racontée par le biais de :

• Des œuvres narratives : ces œuvres qui racontent leur propre histoire, racontent l’histoire des artistes eux-mêmes ou mettent en scène des fictions et récits montés de toutes pièces.
• L’art narratif : qui raconte une histoire, soit comme un moment dans une histoire en cours, soit comme une séquence d’événements qui se déroule dans le temps.
• Le storytelling : l’art de raconter des histoires à travers de petites ou grandes anecdotes, permettant de créer un lien particulier avec son auditoire.
• Les documentaires : qui permettent de plonger dans l’univers d’un artiste, d’une œuvre ou d’un mouvement artistique.
• La visite de musées et d’expositions : pour découvrir directement les œuvres et leur mise en scène.

L’histoire de l’art français est extrêmenent riche et variée et chaque oeuvre, chaque artiste, chaque mouvement à sa propre histoire à raconter !

Peut-on prendre des cours d’histoire de l’art ?

Oui, il est tout à fait possible de prendre des cours d’histoire de l’art. Ces cours peuvent être dispensés dans des institutions d’enseignement supérieur, des musées ou encore en ligne. Ils couvrent généralement un large éventail de périodes et de styles, allant de l’art ancien à l’art contemporain. Les méthodes d’enseignement varient également, avec des cours magistraux, des ateliers pratiques, des visites de musées et des discussions de groupe. Voici quelques options disponibles :

• Cours en ligne : De nombreux établissements, tels que le Grand Palais, proposent des cours d’histoire de l’art en ligne. Ces cours sont souvent interactifs et permettent d’apprendre à son propre rythme.
• Cours en présentiel : Des institutions comme l’IESA offrent des cours du soir en histoire de l’art pour acquérir les bases fondamentales en art contemporain, en art ancien et en art moderne.
• Formations universitaires : Des licences et des masters en histoire de l’art sont proposés par de nombreuses universités. Ces formations abordent en profondeur l’ensemble des courants artistiques.
• Cours particuliers : Des professeurs particuliers offrent des cours d’introduction à l’histoire de l’art, adaptés à ceux qui souhaitent commencer leurs études ou simplement nourrir leur curiosité.
• Conférences et ateliers : De nombreux musées et institutions culturelles proposent des conférences et des ateliers sur l’histoire de l’art, accessibles à tous.

Ces cours d’histoire de l’art peuvent être gratuits ou payants, selon l’institution qui les propose.