Vassily Kandinsky, né à Moscou et naturalisé français, est un peintre emblématique du XXe siècle, reconnu comme le précurseur de l’art abstrait. Influencé par le mouvement Bauhaus, Kandinsky a déployé dans ses œuvres une palette unique de formes géométriques et de couleurs vives, notamment dans son tableau “Jaune Rouge Bleu”. Découvrons ensemble son parcours artistique et ses œuvres majeures qui ont marqué l’histoire de l’art.

Biographie de Vassily Kandinsky

Né le 4 décembre 1866 à Moscou dans une famille aisée, Vassily Kandinsky grandit dans un environnement cultivé, marqué par la musique et le dessin. Il développe une passion pour les couleurs dès son jeune âge. Il poursuit des études de droit à la faculté de Moscou et semble destiné à une carrière juridique. Cependant, son parcours prend un tournant décisif en 1895 lors de sa visite à une exposition impressionniste à Moscou. Subjugué par l’œuvre de Monet, il décide d’abandonner le droit pour se consacrer à la peinture.

En 1896, il refuse une nomination de professeur et s’installe à Munich, où il suit des cours à l’Académie des Beaux-arts. C’est là qu’il commence sérieusement à peindre et à développer son style unique. Ses premières œuvres sont marquées par l’influence du mouvement impressionniste.

Naissance et premières influences artistiques

Né dans une famille aisée, le jeune Kandinsky est exposé très tôt à la musique et à l’art, un environnement qui va profondément influencer son approche artistique. Sa grand-mère l’initie à l’allemand et il prend des leçons de piano, de violoncelle et de dessin. Son père, un riche marchand de thé, et sa mère, issue d’une famille noble moscovite, favorisent l’éveil culturel de leur fils. C’est au cours de son enfance à Odessa, après le déménagement de sa famille pour des raisons de santé, que Kandinsky commence à développer son goût pour les couleurs et les formes.

• Première influence : la musique
• Deuxième influence : le dessin
• Troisième influence : les couleurs

Ces premières influences marquent le début de son voyage artistique et constituent les fondations sur lesquelles il va construire sa carrière novatrice.

De la carrière juridique à l’art

Vassily Kandinsky a mené une carrière juridique jusqu’en 1896, où, tenté par un poste de professeur à l’université de Dorpat, il choisit finalement de se consacrer pleinement à la peinture. Ce virage soudain est en partie dû à son intérêt grandissant pour l’art et la musique, qui ont toujours occupé une place importante dans sa vie.

À Munich, où il s’installe pour se former à l’art, Kandinsky commence à déployer son style unique, influencé par le mouvement impressionniste. Les voyages qu’il entreprend par la suite en Hollande, en Afrique du Nord, en Italie et en France, enrichissent sa palette artistique et lui permettent d’exposer ses œuvres en France et en Allemagne dès 1901.

Naturalisation et vie en France

Après avoir vécu en Allemagne, Kandinsky s’installe en France en 1933, fuyant la montée du nazisme. Il s’établit à Neuilly-sur-Seine, où il passe le reste de sa vie. Sa naturalisation française est obtenue en 1939, lui offrant une certaine stabilité dans une période tumultueuse. Malgré un sentiment d’exil, il continue à peindre et à innover dans son art. À Neuilly, il est en contact avec les milieux artistiques parisiens, ce qui enrichit sa pratique. C’est durant ces années qu’il crée certaines de ses œuvres les plus emblématiques. Kandinsky décède à Neuilly-sur-Seine en 1944, laissant derrière lui un héritage artistique indéniable.

Le tournant vers l’art abstrait

Le rôle du Bauhaus dans sa démarche artistique

Le Bauhaus a joué un rôle crucial dans la démarche artistique de Kandinsky. Enseignant au Bauhaus, il a pu évoluer au sein d’une école cherchant à appliquer l’expérience artistique à la conception de l’architecture et des objets du quotidien. Durant cette période, Kandinsky a écrit un ouvrage sur les formes élémentaires des arts graphiques, correspondant à une évolution de sa peinture.

Au Bauhaus, Kandinsky a réussi à allier ses responsabilités pédagogiques, sa pratique artistique et son travail d’écriture et de théorisation. Le Bauhaus a également été pour lui une occasion de poursuivre ses recherches dans la théorie comme dans la pratique, allant jusqu’à envisager un projet utopique de reconstruction d’un monde placé sous le signe du spirituel.

C’est au sein de cette école que Kandinsky a révolutionné sa pratique, passant d’une peinture plus expressive et émotionnelle à une œuvre rigoureusement géométrique.

Le Blaue Reiter et le mouvement abstrait

Le Blaue Reiter est un mouvement artistique fondé en 1911 à Munich par Vassily Kandinsky et Franz Marc. Ce groupe a marqué une étape majeure dans l’évolution de l’expressionnisme, cherchant à rénover le langage artistique. Les œuvres du Blaue Reiter sont initialement très figuratives, mais elles s’orientent rapidement vers le signe et la couleur, en quête d’une spiritualité dans la peinture.

Kandinsky est souvent considéré comme le pionnier du mouvement abstrait. Son traité Du spirituel dans l’art marque une rupture radicale avec les pratiques artistiques précédentes. Cet artiste majeur a un rôle décisif dans la naissance de l’abstraction, développant un nouveau langage artistique qui fait appel à la musicalité et exprime sa “nature intérieure”.

Le Blaue Reiter est aussi célèbre pour son almanach, conçu par Kandinsky, Marc et August Macke, comme un moyen de diffuser une fusion de différentes cultures, d’écritures plastiques et de mouvements.

L’œuvre de Kandinsky : exploration et innovation

L’œuvre de Kandinsky est une véritable exploration de nouvelles formes d’expression artistique et une innovation constante. Kandinsky s’est librement inspiré de la musique pour développer son style pictural. Il associait souvent les couleurs à des sons, donnant naissance à des œuvres où la couleur et la forme se mêlent pour créer une véritable symphonie visuelle.

Kandinsky n’a cessé d’évoluer tout au long de sa carrière, passant de l’expressionnisme à l’abstraction, avec une phase de transition marquée par des œuvres semi-abstraites. Il n’a jamais eu peur d’expérimenter et de repousser les limites de son art.

“Composition VII” est souvent citée comme l’une de ses œuvres les plus innovantes. C’est une œuvre complexe qui combine les couleurs et les formes de manière harmonieuse, incorporant des formes géométriques variées. Cette œuvre marque un tournant majeur dans sa carrière, où il commence à explorer l’abstraction de manière plus approfondie.

Kandinsky a également été un pionnier dans l’utilisation de la peinture à l’huile pour créer des œuvres abstraites. Ses toiles sont souvent caractérisées par une richesse de détails et une complexité de composition qui témoignent de son engagement envers l’innovation et l’exploration artistique.

Son travail reste une référence incontournable dans le monde de l’art abstrait et continue d’inspirer les artistes contemporains.

Les formes géométriques dans l’art de Kandinsky

Au-delà de son expressionnisme initial, Kandinsky s’est progressivement tourné vers une esthétique plus géométrique.

Dès les années 1920, il se distancie de la représentation pour s’incliner vers l’abstraction pure, intégrant des formes strictement géométriques dans ses compositions. Cette transition marque une nouvelle phase de son parcours artistique, où le cercle, le carré et le triangle deviennent des éléments centraux de son œuvre.

Chaque forme géométrique acquiert une signification particulière pour Kandinsky: le cercle symbolise l’infini, le carré la stabilité et le triangle l’action spirituelle.

Son tableau “Composition 8” (1923) est emblématique de cette période, avec une profusion de formes géométriques s’agenceant dans un ordre dynamique.

Pourtant, malgré l’importance des formes géométriques dans son art, Kandinsky ne succombe jamais à une rigueur excessive, conservant toujours une part de lyrisme poétique.

La symphonie des couleurs : jaune, rouge, bleu

Dans son œuvre “Jaune-rouge-bleu”, Kandinsky orchestre une symphonie de couleurs où chaque teinte joue un rôle précis. Le jaune, lumineux et intense, exprime l’énergie éblouissante du soleil. Le rouge, plus solennel, évoque l’amour et la passion. Enfin, le bleu, symbole de profondeur et de mystère, invite à la contemplation.

Ces trois couleurs primaires s’entremêlent et interagissent, créant des nuances et des contrastes. Kandinsky utilise ces interactions pour générer un mouvement visuel, une dynamique qui anime la toile.

• Le jaune et le bleu, par leur proximité sur le spectre des couleurs, créent une tension, une vibration.
• Le rouge, plus distant, apporte une rupture, un point d’ancrage qui structure la composition.

C’est ce jeu subtil entre harmonie et contraste qui fait la force de cette œuvre emblématique de Kandinsky. La symphonie des couleurs n’est pas seulement une expérience visuelle, elle est aussi une invitation à ressentir et à méditer sur la puissance émotionnelle des couleurs.

Signification et interprétation des couleurs

Pour Kandinsky, chaque couleur possède une signification spécifique, une émotion et une vibration unique. Le bleu est pour lui une couleur froide, profonde et mystique. Il l’associe à la spiritualité et à l’infini. À l’opposé, le jaune, chaud et agressif, représente l’effervescence de la vie, l’énergie et la joie. Le rouge évoque la passion, la force et la vitalité.

Les couleurs neutres ont également leur importance dans l’oeuvre de Kandinsky. Le blanc, pureté et silence, symbolise la naissance et les possibilités offertes par la vie. En revanche, le noir représente l’absence de possibilités, la finitude, la mort.

Enfin, Kandinsky associe les couleurs à des formes géométriques : le bleu au cercle, le jaune au triangle et le rouge au carré. Ce lien entre forme et couleur est un aspect fondamental de son approche picturale.

L’œuvre Jaune-Rouge-Bleu : une analyse

“Jaune-Rouge-Bleu”, réalisé en 1925 par Vassily Kandinsky, est une œuvre emblématique de la période du Bauhaus. Cette huile sur toile aux dimensions parfaites évoque la “divine proportion”. Kandinsky utilise les trois couleurs primaires : le bleu, le rouge et le jaune pour créer une composition qui, bien que semblant hermétique à première vue, est riche en nuances et en interprétations.

Le tableau n’utilise pas uniquement les trois couleurs mentionnées dans son titre, mais également du violet, du vert, de l’orange, et diverses nuances de ces couleurs. Ces différentes teintes s’entremêlent et interagissent, créant un mouvement visuel dynamique.

L’œuvre peut être interprétée comme une recherche sur le ciel et les astres qui le peuplent, avec le jaune et le bleu évoquant une tendance à l’éloignement et à l’ascension, et le rouge naissant mystérieusement de cette interaction.

Les œuvres majeures de Kandinsky

“Composition VIII” : un chef d’œuvre de l’abstraction

“Composition VIII“, réalisée par Vassily Kandinsky en 1923, est un chef-d’œuvre de l’abstraction. Cette œuvre majeure a été peinte par l’artiste durant sa période d’enseignant au Bauhaus, marquée par une influence grandissante des constructivistes et des suprématistes. Elle est aujourd’hui conservée au musée Solomon R. Guggenheim à New York.

La composition est dominée par des formes géométriques, notamment des cercles, des demi-cercles, des angles, des rectangles et des lignes. Ces éléments sont arrangés de manière dynamique, créant une impression de mouvement et de rythme.

L’œuvre est aussi marquée par l’utilisation audacieuse de la couleur. À travers son choix de teintes et de contrastes, Kandinsky vise à mettre “l’âme humaine en vibration”, selon ses propres mots.

“Plusieurs cercles” et “Trente” : quand les formes parlent

Les oeuvres “Plusieurs cercles” et “Trente” de Vassily Kandinsky reflètent sa fascination pour les formes géométriques et leur symbolisme. Dans “Plusieurs cercles“, peint en 1926, Kandinsky explore la forme circulaire, symbole de l’infini et de la perfection. Les cercles de différentes tailles et couleurs se superposent et s’interpénètrent dans une composition qui évoque l’harmonie et la complexité de l’univers.

Quant à l’oeuvre “Trente“, réalisée en 1937, elle se présente comme un damier composé de miniatures abstraites. Vassily Kandinsky y mélange formes biomorphiques, lignes, courbes et schémas scientifiques, créant une œuvre dynamique et pleine de contrastes. Cette pièce est souvent interprétée comme une explosion de formes ou une chute de météorites, soulignant ainsi l’aspect dynamique et la richesse des compositions de Kandinsky.

“Improvisation 3” : une peinture musicale

Dans “Improvisation 3“, réalisée en 1909, Kandinsky donne vie à une scène onirique, riche en couleurs et en mouvements. Le tableau semble être une allégorie, où chaque élément raconte une histoire.

On y distingue notamment un cavalier bleu, symbole du groupe d’artistes du même nom avec qui Kandinsky collaborait à l’époque. L’utilisation de couleurs arbitraires et d’une touche allongée renforcent l’aspect fantasmagorique de la peinture.

L’oeuvre pourrait aussi être inspirée par un paysage de la ville de Tunis que l’artiste a visitée en 1904. Cette dimension autobiographique renforce la complexité de l’œuvre, où se mêlent réalité et imaginaire.

Le titre “Improvisation” renvoie à la spontanéité et à l’expression de processus intérieurs, caractéristiques de l’art de Kandinsky.

Kandinsky et le portrait : une approche unique

Kandinsky a rarement abordé le portrait dans son art. Cependant, il a utilisé des éléments figuratifs de manière abstraite pour exprimer des émotions et des idées. Sa représentation du visage humain n’est pas traditionnelle, mais plutôt symbolique. Les traits du visage sont souvent réduits à des formes géométriques de base, ce qui permet de mettre l’accent sur les émotions suscitées par les couleurs et les formes plutôt que sur l’identité du sujet. Les quelques portraits que Kandinsky a réalisés sont principalement des autoportraits ou des portraits de ses proches. Il a également réalisé des portraits de figures historiques, qu’il a interprétés de manière abstraite. Dans ces œuvres, l’identité du sujet est souvent secondaire par rapport à l’évocation de l’humeur ou de l’état d’esprit.

La reproduction des œuvres de Kandinsky : un défi pour les artistes contemporains

Reproduire les œuvres de Kandinsky est un véritable défi pour les artistes contemporains. Ses compositions audacieuses, basées sur une symbiose de formes géométriques et de couleurs vives, nécessitent non seulement une grande maîtrise technique, mais aussi une véritable compréhension de ses théories artistiques. Les artistes doivent ainsi être capables de capter l’énergie, le mouvement et l’intensité émotionnelle qui caractérisent les œuvres de Kandinsky.

La complexité de son langage pictural, où chaque forme et chaque couleur a une signification précise, demande une réelle immersion dans son univers artistique. Les artistes doivent également être en mesure de restituer la dimension spirituelle et transcendante de son art, qui vise à mettre “l’âme humaine en vibration”.

La reproduction de ses œuvres est aussi un exercice délicat en raison de son approche révolutionnaire de la peinture. Kandinsky rompt avec les conventions de la représentation pour créer un art purement abstrait, où le sujet n’est plus une réalité extérieure mais une réalité intérieure, exprimée à travers des formes et des couleurs.

L’influence de Kandinsky sur l’art moderne et contemporain

Considéré comme le père de l’art abstrait, l’impact de Vassily Kandinsky sur l’art moderne et contemporain est indéniable. Son travail a marqué de nombreux artistes et continue d’inspirer les nouvelles générations. Les artistes contemporains s’inspirent de sa capacité à fusionner couleurs et formes pour exprimer des émotions profondes, repoussant ainsi les frontières de l’art traditionnel.

L’influence de Kandinsky sur l’art moderne est particulièrement visible dans le développement du cubisme et du futurisme en peinture. Sa vision de l’art, basée sur l’expression émotionnelle et spirituelle, a marqué un tournant dans l’histoire de l’art. Ses œuvres ont également influencé la direction prise par le groupe artistique Phalanx (1901-1904) et ont eu un impact significatif sur l’expressionnisme munichois.

Ses théories sur l’art, exprimées dans ses écrits, ont également eu une influence considérable. Ses idées sur la synesthésie, le processus par lequel un stimulus sensoriel produit une réponse dans un autre sens, ont influencé la manière dont de nombreux artistes perçoivent et utilisent la couleur.

Influence sur les artistes du Bauhaus

L’influence de Kandinsky sur les artistes du Bauhaus est indéniable. En tant que professeur principal, il a exposé ses élèves à sa vision révolutionnaire de l’art abstrait et de la couleur. Ses théories ont grandement contribué à façonner la philosophie de l’école, notamment l’idée de l’œuvre d’art totale et l’application de l’expérience artistique à la conception de l’architecture et des objets du quotidien.

• Ses cours ont été une source d’inspiration pour de nombreux étudiants, les poussant à explorer de nouvelles formes et techniques artistiques. Kandinsky a encouragé ses élèves à dépasser les limites traditionnelles de l’art et à expérimenter librement avec les formes et les couleurs.
• Sa pédagogie était basée sur le principe que l’art doit être une expression de l’âme et non une simple représentation du monde extérieur. Cette approche a encouragé les étudiants à développer leur propre langage artistique et à exprimer leur vision personnelle.
• Les ouvrages théoriques de Kandinsky, notamment son livre sur les formes élémentaires des arts graphiques, ont également eu un impact considérable sur les artistes du Bauhaus. Ces écrits ont permis de formaliser et de diffuser ses idées révolutionnaires, contribuant ainsi à l’évolution de l’art moderne.

Reconnaissance posthume et influence sur les générations futures

Vassily Kandinsky continue d’inspirer l’art contemporain bien après sa mort. Son héritage artistique est visible dans diverses formes d’art abstrait, y compris le cubisme et le futurisme. Il a élargi la notion d’art, mettant l’accent sur l’expression émotionnelle et spirituelle à travers les couleurs et les formes.

• L’œuvre de Kandinsky a eu une influence majeure sur le groupe artistique Phalanx (1901-1904), marquant profondément l’expressionnisme munichois.
• Ses écrits théoriques ont également apporté une contribution significative, en particulier ses idées sur la synesthésie qui ont influencé la manière dont de nombreux artistes perçoivent et utilisent la couleur.
• Les artistes contemporains s’inspirent de sa capacité à fusionner couleurs et formes pour exprimer des émotions profondes, repoussant les limites de l’art traditionnel.

La reconnaissance posthume de Kandinsky est également évidente dans les nombreuses expositions de ses œuvres dans des musées et des galeries d’art à travers le monde.

Expositions des tableaux de Kandinsky : du Pompidou au monde

Les expositions majeures de ses œuvres

Les œuvres de Kandinsky ont été exposées dans des lieux prestigieux à travers le monde. Parmi les expositions notables, citons :

• La Galerie Mont-Blanc, qui a présenté en 2024 une sélection de ses plus beaux tableaux abstraits, dont “Jaune-rouge-bleu” et sa série de “Compositions”.
• Le Centre Pompidou a organisé plusieurs rétrospectives consacrées à Kandinsky, en collaboration avec la Städtische Galerie in Lenbachhaus de Munich et le Solomon R. Guggenheim Museum de New York, qui détiennent les plus importants fonds d’œuvres de l’artiste.
• L’Atelier des Lumières à Paris a mis en lumière l’art de Kandinsky à travers une exposition immersive intitulée “Kandinsky, l’odyssée de l’abstrait”.
• Le Musée Guggenheim Bilbao a accueilli une grande exposition monographique dédiée à Kandinsky en 2020-2021.
• Le Palazzo Roverella à Rovigo, en Italie, a organisé en 2022 une rétrospective sur Kandinsky, avec des œuvres prêtées par des musées russes et de nombreuses institutions européennes.
• Le Centre Pompidou a également proposé une exposition virtuelle intitulée “Dans l’intimité de Kandinsky”, en collaboration avec la plateforme Google Arts & Culture.

Ces expositions majeures témoignent de la reconnaissance internationale de l’art de Kandinsky et de son influence durable sur l’art moderne et contemporain.

Comment voir un tableau de Kandinsky aujourd’hui ?

Pour voir un tableau de Kandinsky aujourd’hui, plusieurs options s’offrent à vous. Les œuvres majeures de l’artiste sont exposées dans des musées réputés à travers le monde. Le Centre Pompidou à Paris, le Solomon R. Guggenheim Museum de New York et la Städtische Galerie in Lenbachhaus de Munich détiennent les plus importants fonds d’œuvres de l’artiste.

En Italie, certaines de ses œuvres sont conservées au GaMeC de Bergame et à la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea de Rome. Le Musée Peggy Guggenheim à Venise possède aussi quelques pièces de Kandinsky.

Pour une expérience immersive, l’Atelier des Lumières à Paris propose une exposition dédiée à l’artiste intitulée “Kandinsky, l’odyssée de l’abstrait”.

Enfin, pour ceux qui ne peuvent se déplacer, il est possible de découvrir ses œuvres en ligne grâce à des plateformes comme Google Arts & Culture ou WikiArt.

Le premier ouvrage théorique de Kandinsky : une révolution artistique

En 1911, Kandinsky publie son premier ouvrage théorique sur l’art intitulé “Du spirituel dans l’art et dans la peinture en particulier”. Il y expose sa vision personnelle de l’art, dont la véritable mission est d’ordre spirituel. Il développe également sa théorie de l’effet psychologique des couleurs sur l’âme humaine.

Cet ouvrage marque une révolution artistique en proposant une nouvelle approche de l’art, fondée non plus sur la représentation du monde extérieur, mais sur l’expression de la réalité intérieure de l’artiste. Cette théorie, qui met l’accent sur la nécessité intérieure et le désir spirituel, devient un principe essentiel de l’art abstrait.

Avec cette publication, Kandinsky s’impose comme l’un des plus grands théoriciens de la modernité artistique. Il offre une redéfinition profonde des moyens et des fins de l’art, alternant entre des références très précises aux innovations artistiques de son temps et les fondements d’une esthétique non-figurative.

La mort de Kandinsky : fin d’une époque, début d’un héritage

La disparition de Vassily Kandinsky en 1944 marque la fin d’une époque riche en innovations artistiques. Figure emblématique de l’art abstrait, il laisse derrière lui un héritage considérable qui continue de fasciner le monde de l’art.

Son épouse, Nina Kandinsky, joue un rôle crucial en conservant et en diffusant l’œuvre de son mari, assurant ainsi la pérennité de son influence. Durant une trentaine d’années, elle se consacre à la promotion de l’œuvre de Kandinsky, permettant à un public toujours plus large de découvrir sa vision unique de l’art.

En 1971, une importante exposition posthume de son œuvre est organisée au Musée national d’Art moderne – Centre Georges Pompidou, attestant de l’importance de son héritage.

3 questions pour mieux comprendre:

Quelle est la caractéristique de la peinture de Kandinsky ?

La peinture de Kandinsky se caractérise par son abstraction et sa riche palette de couleurs. Il s’agit d’une exploration des formes et des couleurs, où le sujet n’est plus une réalité extérieure mais une réalité intérieure, exprimée à travers des formes et des couleurs.

• Il a commencé sa carrière artistique avec des œuvres figuratives, avant de se tourner progressivement vers l’art abstrait. Il est d’ailleurs considéré comme le fondateur de l’art abstrait.
• Kandinsky accordait une importance particulière aux formes géométriques. Les cercles, les triangles et les carrés sont des motifs récurrents dans ses œuvres, chacun ayant sa propre signification symbolique.
• Dans ses peintures, Kandinsky utilise des couleurs vives et contrastées pour exprimer ses émotions et ses idées. Il a d’ailleurs publié un livre, “Du spirituel dans l’art”, dans lequel il explique sa théorie sur l’effet psychologique des couleurs.
• Enfin, Kandinsky a également été influencé par la musique. Il comparait souvent ses peintures à des symphonies et utilisait des termes musicaux pour désigner ses œuvres, comme “improvisation” ou “composition”.

Quelle est l’œuvre la plus connue de Vassily Kandinsky ?

L’œuvre la plus connue de Vassily Kandinsky est généralement citée comme étant “Composition VII” de 1913. Toutefois, d’autres œuvres majeures ont également marqué son parcours, telles que “Le Cavalier Bleu” ou encore “Jaune-Rouge-Bleu”. Kandinsky est également célèbre pour avoir réalisé la première aquarelle non figurative de l’histoire de l’art en 1910. Notons également le tableau “Composition VIII” de 1923, considéré comme l’une des œuvres les plus représentatives de sa période de Weimar.

Où sont exposés les tableaux de kandinsky ?

Les oeuvres de Vassily Kandinsky, célèbre pour son apport à l’art abstrait, sont exposées dans de nombreux musées à travers le monde.

• Le Centre Pompidou à Paris possède une collection significative de ses oeuvres.
• À New York, le Solomon R. Guggenheim Museum est également un lieu incontournable pour les amateurs de l’artiste.
• Sa ville d’adoption, Munich, abrite également des oeuvres majeures dans la Städtische Galerie in Lenbachhaus.

En Italie, le GaMeC de Bergame et la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea de Rome conservent quelques-unes de ses créations. Pour ceux qui ont la chance de se rendre à Venise, le Musée Peggy Guggenheim est une autre étape recommandée.

Ces institutions représentent les principales collections de Kandinsky, mais son art est célébré dans de nombreux autres musées et galeries à travers le monde.

De quoi est mort Vassily Kandinsky ?

Vassily Kandinsky est décédé le 13 décembre 1944 à Neuilly-sur-Seine, en France. Sa mort est attribuée à une attaque cérébrale, plus communément appelée AVC (Accident Vasculaire Cérébral). À l’âge de 78 ans, il meurt peu de temps avant la fin de la Seconde Guerre mondiale, après avoir passé la majeure partie de ses dernières années en France où il avait trouvé refuge pour échapper à la montée du nazisme en Allemagne.